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Un film de Pete Davis
Un film de Jonathan King 
Comme vous pouvez vous en douter le ton est ici à la comédie (aurait pu t-il en être autrement avec un tel postulat de départ ?) versant allègrement dans le second degré sans jamais renier l’aspect terrifiant de son sujet. Car oui, Black Sheep est aussi un pur film d’horreur avec son lot de scènes d’angoisses, de geysers de sang et autres morceaux de barbaques fraîchement arrachés exposées à la vue du spectateur, nos méchantes bêbêtes infectées se révélant aussi dangereuses que les morts vivants de Romero quand il s’agit de s’alimenter en chair humaine. Ce mélange horreur-comédie rappelle évidemment des œuvres tels que les premiers ouvrages de Peter Jackson (à cela s'ajoute la nationalité commune des deux hommes) ainsi que le récent Shaun of the Dead devenu en un rien de temps le modèle du genre pour une foule de geeks. L’analogie est ici clairement revendiquée par son réalisateur payant son dut à ces cinéastes – et d’autres - dont l’influence sur son bébé est omniprésente. Sans doute un peu trop. 
Une chose est sûre concernant Jonathan King : le bonhomme possède de réelles capacités de metteur en scène : le rythme est enlevé (peu de temps morts), l’image est soignée et les effets spéciaux à l'ancienne (signé par Richard Taylor de Weta Workshop) sont d’une incroyable qualité pour un budget d’environ 5 millions de dollars (on est sacrément loin du système D d’un Bad Taste). Quant aux enjeux du film, ils sont emportés presque haut la main : l’humour fonctionne à tous les coups, y compris lorsqu’il se fait gras avec ces accents scatologiques et zoophiles et si les moutons, filmés en contre-plongée sur fond de musique inquiétante, ne font pas excessivement peur (ils provoquent plutôt un fort rictus) la menace qu’ils véhiculent est suffisamment crédible. Le seul défaut qu’on pourrait incomber au film c’est qu’à aucun moment il n’arrive à s’extirper de l’ombre de ses glorieux prédécesseurs. 
Aussi bon technicien qu’il soit, le réalisateur offre assez peu d’idées vraiment neuves au bout du compte. Le scénario étant calqué sur celui de Brain Dead ça n’aide pas. Pas plus que les personnages extrêmement stéréotypés ne sortant pas du carcan dans lequel ils se situent, interceptant du coup l’émotion qui faisait la force du chef d’œuvre d’Edgar Wright. Black Sheep se rapproche donc au final de la bonne grosse couillonnade hilarante à regarder à plusieurs que du véritable film culte qu’on a bien voulu nous vendre. Pour un premier essai ce n’est déjà pas si mal. En plus avec son message écolo sous jacent et son concept initial (des moutons zombies, rien que d’avoir imaginer une telle idée c’est génial) il n’est pas aussi bêêêête que ça ce film. 
Un film de Tsui Hark, Ringo Lam, Johnnie To
Titre original: Tie Saam Gok
Hong Kong (2006)
Policier (env. 1h35)
Avec: Louis Koo, Simon Yam, Honglei Sun, Kelly Lin, Lam Ka-Tung, Lam Suet...
Résumé : Sam, Fai et Mok, trois amis ont tous le même problème : le manque d’argent. Pour pallier à cet ennui, l’un deux s’accoquine avec une bande de malfrats sur le point de commettre un casse. C’est alors que surgit de nulle part, un étrange individu leur propose de devenir riches. Il leurs indique l’endroit où est enfoui un coffre au mystérieux contenu et la façon de procéder à son retrait. D’abord hésitant, la bande décide de se lancer et organise le vol. C’est le début de multiples complications pour nos compagnons dont l’amitié risque fort de vaciller…
D’abord mettons les points sur les « i », le film n’a rien du tout d’une quelconque anthologie. L’association de ces trois talents ne pouvait pas donner qu’une simple réunification de récits individuels mis en boîte par chaque intéressé et n’ayant aucuns rapports direct entre eux. Non, la construction de Triangle est bien plus originale : l’idée a été de réaliser le premier long-métrage construit selon le modèle du cadavre exquis, un jeu crée par les surréalistes en 1920, qui consiste à faire composer une œuvre (une peinture, un texte…) par plusieurs personnes sans qu’aucune d’elles puissent tenir compte de la collaboration ou des collaborations précédentes. Ainsi parmi les trois metteurs en scène, un a choisi une thématique, un point de départ et s’est attelé à la première partie d’un scénario, puis l’a donné au suivant devant continuer à partir de ce qui avait été écrit, avant de le faire passer au dernier chargé de conclure l’histoire. Un concept des plus ambitieux, novateur… et périlleux. Car si tout cela apparaît comme franchement excitant, la nature du projet est aussi sacrément casse-gueule. Le risque étant de se retrouver face à un objet foutraque, en dent de scie et incohérent dans sa narration et sa mise en scène. Après vision du dit objet les craintes sont estompées, on vient bel et bien d’assister là à un vrai film. 
En effet, Triangle est un excellent film noir (presque toutes les figures du genre sont présentes) conservant tout le long de sa durée une cohérence narrative rarement prise en défaut. C’est tout le mérite de notre fine équipe, d’avoir su rebondir sur le travail du précédent sans jamais le contredire, et d’aborder ses propres réflexions inhérentes au style de chacun : ainsi dans la partie centrale, Ringo Lam fait avancer le récit principal tout en le déviant pour se concentrer sur la filiation amour-haine du couple en crise Simon Yam/Kelly Lin (symbole de son rapport personnel avec le cinéma). Quant à Johnnie To il conclue le tout de manière magistrale avec son style tragico-ridicule à base de quiproquos pince sans rires (le film ne devient drôle que dans le dernier acte) et d’une décélération progressive de l’action, offrant une fois de plus une fusillade finale réellement novatrice. Concernant le segment introductif de Tsui Hark, il ne semble pas le plus pertinent ni le plus virtuose du triangle. Comme s’il s’était finalement éclipsé, ne posant uniquement que les premières fondations pour laisser la place de s’exprimer aux deux autres. Etrange, surtout quand on connaît la mégalomanie du monsieur, généralement incapable de ne pas imposer ses envies à ses confrères (on se souvient encore des divergences de points de vues avec Kirk Wong sur Gunmen et de sa dispute avec John Woo sur The Killer, ayant brouillée définitivement les deux anciens amis). Peut être parce qu’ici il impose sa patte non pas sur son segment mais sur l’ensemble du film. 
La nature du projet en lui-même en est la meilleure preuve puisqu’elle apparaît comme totalement logique avec la politique de son initiateur, démontrant encore une fois sa volonté de faire naître un produit cinématographique uni basé sur une fabrication « hasardeuse ». Ou comment faire arriver à une harmonie à travers le chaos. En choisissant comme thématique principale l’argent (responsable selon lui des problèmes de la société moderne) et en clôturant sa partie au moment crucial de la découverte du contenu du coffre (à Ringo Lam de trouver ce qu’il contient), Tsui Hark pousse ses deux confrères à remettre en question son travail et à faire basculer (mais sans le faire tomber) le récit afin de le dynamiser et de sans cesse surprendre le spectateur. Par ce fait, il leurs impose en quelque sorte sa volonté et sa logique qu’ils finissent - volontairement ou non - par adopter. En témoigne la démultiplication des sacs, au cours du segment de Johnnie To, rappelant le dédoublement des éléments dans Time & Tide. Au final, même si le style de Tsui Hark ne frappe pas tout de suite dans Triangle, le film en porte indubitablement sa marque. 
Un film de Marcus Nispel 
Affirmer que Pathfinder (remake du Passeur, film obscur norvégien de Nils Gaup) s’est fait désirer est un doux euphémisme. Prévu chez nous pour l’été 2006, sa sortie s’est vue successivement repoussée de mois en mois pendant un an, pour finalement débarquer dans une misérable combinaison de 10 salles sur tout le pays (et pas une seule sur Paris !), donc dans un anonymat des plus strict. Une année entière d’attente, durant laquelle les rumeurs affirmant que le résultat serait une véritable catastrophe se sont faites de plus en plus insistantes. Pourtant tout semblait bien parti pour ce projet plus qu’alléchant : pensez donc la rencontre improbable (mais véridique) entre des Indiens d’Amérique et des vikings belliqueux venu envahir le nouveau monde, bien avant que Christophe Colomb n’est eu l’idée d’entreprendre son voyage pour rejoindre les Indes par la mer. Rencontre voyant Ghost, un jeune enfant Viking abandonné par les siens lors d’une bataille. Recueilli et élevé par une tribu indienne, il devra affronter une fois adulte son clan, revenu pour anéantir sa nouvelle famille... Un dessein de départ pleins de promesses, corroborées par la présence aux commandes de celui à qui l’ont doit la réussite du remake de Massacre à la tronçonneuse, le teuton Marcus Nispel (oh ouais !). Suivit d’une campagne d’affiches plus belles les unes des autres (oh ouuais !), d’une première bande annonce annonçant un mix détonnant entre Conan le barbare, Le treizième guerrier, Danse avec les loups et Rambo (oh ouuaaiiss !) et l’annonce d’un classement R-rated, donc riche en effusion de sang (oh ooouuuaaaiii…oups j’ai eu un petit accident). C’est donc la bave aux lèvres que nous attendions de voir le produit fini, non sans une certaine crainte que sa désastreuse réputation ne soit fondée. Alors qu’en est-il vraiment ? Pathfinder, chronique d’un désastre annoncé ? Ou œuvre tout simplement incomprise ? 
Si Pathfinder se coltine une telle réputation c’est sans doute à cause de sa production plus qu’houleuse : dès le début un malentendu survient entre Nispel voulant fournir une œuvre quasi muette qui ne s’exprimerait que par les images, et les producteurs voulant à tout prix du dialogue pour que le spectateur potentiel ne soit pas égaré. Divergence de points de vue artistiques… ça commence mal. Puis vient un tournage difficile et éreintant pour toute l’équipe subissant la météo capricieuse de la Colombie Britannique et de nombreux accidents dut à la dangerosité des lieux choisis pour servir de cadre à l’histoire du film. Et comme si cela ne suffisait pas le film subit de nombreux remontages pour cause de projections tests que nous qualifierons de peu concluantes. Résultat : une partie assez importante du film serait passée à la trappe (on parlerait de presque 45 minutes), au grand dam de son réalisateur ayant finalement délaissée son œuvre aux mains des exécutifs du studio. Et là vous vous dîtes : « Mais attend une seconde, un film avec des vikings, une production difficile, l’amputation d’une durée conséquente et un montage dénaturant la vision initiale du metteur en scène… on est en train de parler du Treizième guerrier ! ». Effectivement, outre son goût pour les fils d’Odin, Pathfinder entretient plus d’un point commun avec le chef-d’œuvre maudit de McTiernan. Une affiliation dont il se serait sûrement bien passé, car malgré les tempêtes qu’on dut braver les deux œuvres, Le Treizième guerrier reste une œuvre puissante ayant sût outrepasser ses défauts, ce qui n’est pas réellement le cas de son compagnon. 
Tout comme son prédécesseur, on sent dans Pathfinder les nombreuses coupes et les trous narratifs, dût à la disparition de scènes importantes, qui auraient raffermies la présence des personnages secondaires et approfondies leur relation avec le héros. Pourtant malgré l’occultation d’un morceau important du métrage, l’œuvre du grand McT conserve une cohérence narrative et visuelle indéniable alors que celle de Pathfinder en pâtit grandement. Il est clair que les passages consécutifs sur la table de montage n’ont pas joués en sa faveur, donc on ne s’étonnera pas de trouver un montage catastrophique, effectué semble t-il par un boucher qui aurait tranché dans le lard à grand coups de hachoir entre les scènes mais également à l’intérieur d’entre elles. D’où une narration saccadée parfois difficile à suivre et une gestion de l’espace quasi inexistante (on est parfois complètements paumés) et un manque de fluidité empêchant quelques peu le spectateur de trépider dans son fauteuil devant ce choc, plus que brutal, des cultures. Et s’il fallait en rajouter une couche, la musique du - pas très illustre - compositeur Jonathan Elias, accuse le manque d’une légère dose de percussions et de cors pour insuffler un ton profondément épique (n’est pas Basil Poledouris qui veut). Et le fait que les Indiens parlent en anglais alors que les Vikings s’expriment en scandinave démontre une certaine incohérence artistique de la part de la production (ce n’est pas dramatique en soit mais il faut avouer que ça laisse un goût bizarre dans la bouche). 
Cependant Pathfinder se rachète à plus d’un titre. Ne serait-ce que pour son postulat de base, son scénario riche en combats à l’épée (ça croise le fer à tout va), la résolution de Nispel d’offrir un spectacle barbare et organique, dispensé le plus possible d’effets numériques (quelques projections d’hémoglobines et une avalanche) pour de vraies cascades fait en live ; et l’incroyable look de ces Vikings. Véritables ogres massifs et terrifiants tout droit sortis d’un conte de fée, auquel la photographie ténébreuse et brumeuse de Daniel Pearl (directeur de la photo sur le Massacre à la tronçonneuse original et le remake de Nispel) contribue à renforcer l’aspect fantastique. Une représentation imagée des démons intérieurs de Ghost, (le très charismatique Karl Urban), personnage tiraillé entre la volonté de venger le massacre de sa famille adoptive et la peur de succomber à sa nature et devenir l’un des monstres qu’il combat. En conséquence ce n’est pas qu’une bataille entre lui et sa famille de sang que doit livrer Ghost, mais également une bataille intérieure au cours de laquelle il effectuera un parcours psychologique que des décors de nature sauvage, magnifiquement mis en valeur par des cadrages précis et ciselés, nous font vivre sa progression de l’ombre à la lumière (on passe d’une forêt sombre aux cimes des montagnes enneigées). Après vision, il apparaît clairement que le résultat ne fut pas à la hauteur des espérances, cependant le film ne méritait pas une telle déconvenue financière (aux Etats-Unis le film s’est ramassé royalement) en partie à cause de sa sortie en catimini sur son territoire et chez nous. De plus la version évaluée ici n’est pas la vraie version et il faudra attendre une hypothétique director’s cut pour juger pleinement du travail de Nispel. On espérant qu’on ne doit attendre comme pour Le treizième guerrier car on ira rejoindre Odin dans le Walhalla bien avant de voir la queue d’une bobine. 
Un film de Quentin Tarantino
Le principal défaut qu’on incombe directement à Boulevard… c’est d’être trop bavard. Que Tarantino néglige l’action, au détriment de longs dialogues interminables ne menant à rien. Si l’on fait la comparaison entre le temps imparti aux scènes de dialogues et celui réservé aux scènes de meurtres l’ensemble ne peut que passer pour branlant (presque 45 minutes pour 10 minutes à tout casser dans la première partie), surtout que la majorité de ces conversations entre nanas ne font pas avancer l’histoire. Petit rappel d’histoire : à la sortie de Jackie Brown une bonne partie de la critique avait aussi qualifié le film d’excessivement bavard, se rapprochant plus d’une œuvre radiophonique que cinématographique. Aujourd’hui ces mêmes personnes sont les premières à louer les mérites de ce dernier, le considérant comme étant « le film de la maturité ». Certes ici Tarantino pousse le bouchon encore plus loin question dialogues, faisant de son Boulevard… sûrement son œuvre la plus radicale (par rapport à son écriture mais sur bien d’autres points également) mais ce avec toujours la même exigence de la réplique bien travaillée, du bon mot qui fait mouche, du discours anodin retenant l’attention de part son rythme et ce sentiment de véracité qui s’en dégage. Bavard Boulevard… ? Que nenni ! Même si je ne peux nier que dix minutes de « parlotte » en moins n’aurait pas nuit à l’ensemble. Et puis si le réalisateur a fait le choix d’appuyer les scènes d’expositions ce n’est pas par hasard ou par nombrilisme (du mois pas entièrement). Il y a au moins deux raisons à cela : premièrement il est évident qu’il a voulu créer une empathie complète du spectateur envers les héroïnes. En prenant tout son temps pour nous présenter ces femmes, nous les faire connaître intiment, le cinéaste décuple la force du suspense quand celles-ci seront les victimes des agissements d’un psychopathe. Deuxièmement, l’histoire de Boulevard… est entièrement construite comme un orgasme censé faire prendre son pied à son audience. Tarantino sait très bien que son public n’attend qu’une chose : de l’action, de l’action et encore de l’action ! D’accord mais plutôt que de privilégier la quantité sur la qualité, il fait le choix de nous faire patienter, de faire monter la sauce, de faire grimper l’excitation petit à petit pour quand vient le moment fatidique de « lâcher la purée » pour le dire vulgairement. En résulte un crash routier dévastateur et une course poursuite vrombissante. Deux scènes mémorables qui resteront longtemps imprégnées sur nos rétines. Ce fut court mais terriblement intense. Au bout du compte ça valait vraiment le coup d’attendre.
L’autre idée du concept Grindhouse est de faire revivre les conditions de projections, pas toujours géniales, du cinéma d’exploitation. L’idée est donc d’affubler l’image de rayures, salissures, tâches, sauts d’images, flous… et autres imperfections de l’époque dût aux multiples projections dans les salles et drive-in, causant la dégradation rapide des bobines. A l’heure où les salles sont de mieux en mieux équipées, où elles proposent les meilleures conditions de visionnage possibles aux spectateurs; voir de son plein gré un film à l’image volontairement crasseuse ne pouvait que plaire. Cela peut paraître futile comme procédé, toutefois c’est une manière originale et efficace pour renforcer l’impression d’immersion recherchée. Cette impression de se retrouver en plein dans les seventies et de se mater un bon petit film de l’époque. Dommage seulement que Tarantino s’arrête en chemin pour proposer une image plus clean et une mise en scène beaucoup plus travaillée et moderne dans la seconde partie (osé critiquer un film parce qu’il est bien réalisé si ce n’est pas de la mauvaise fois ça !). Cette rupture donne a penser que Tarantino a oublié sa charte de départ pour sombrer dans l’autoréférence pas toujours pertinente (la partie en noir & blanc façon Kill Bill). Il semble que son statut de « réalisateur-star » lui soit un peu monter à la tête, lui faisant prendre un peu trop d’assurance et de confiance en lui. Un excès de zèle pas franchement dramatique pour le coup (vu ses grandes capacités de metteur en scène) dont le fiasco de Boulevard… au box-office américain devrait rapidement apaiser. 
Un film de Joe Carnahan
l’annonce de son départ juste à quelques semaines de la mise en route de la production pour « différents artistiques » (comprenez qu’il a envoyé se faire foutre la star et son égo surdimensionné), ne soit faite. Départ qui n’a fait que rassurer ses admirateurs quant à son intégrité artistique. En effet, pas question pour lui de se fourvoyer dans des projets dans lesquels il n’aurait pas le contrôle total. Qu’on se le dise donc Joe Carnahan n’est pas homme à s’exécuter gentiment quand on lui demande d’emballer une bouse dans un joli papier cadeau. Tout cela pour dire qu’on attendait avec une impatience non dissimulé de voir son prochain ouvrage. Et on peut dire que la surprise fut de mise (à prix). 
rien ne distingue Mi$e à prix d’autres films de gangsters à la Tarantino ou de ceux d’un Guy Ritchie, dont on retrouve tous les éléments qui ont fait le succès de ces derniers : montage cliquant, humour noir et violence débridée, personnages décalés (la bande de frères nazis, les essayer c’est les adopter) dialogues ciselés, situations cocasses et quiproquos à la chaîne. Mais le film est loin de n’être qu’un simple exercice de style décontracté ne faisant que surfer sur une tendance. C’était sans compter sur la touche toute personnelle de son auteur qui va emmener le genre dans des contrées nouvelles.
l’histoire (rondement bien menée) prend le temps de s’attacher aux états d’âmes de ces assassins, flics, gangsters… de montrer la déception et la colère d’un homme de main face à la trahison de son patron, ce même patron au désespoir de devoir dénoncer son entourage. En suggérant l’amour d’une tueuse pour sa complice sexy préférant la compagnie des hommes, en dévoilant le soin qu’un tueur implacable prend pour rassurer sa victime innocente en train de mourir (LA scène du film)... Bref en faisant jaillir une humanité (que le superbe score de Clint Mansell vient soutenir) dans ce qui n’aurait pu n’être qu’une coquille vide, Joe Carnahan signe un véritable tour de force relevant presque de la magie si le scénario ne souffrait pas de sa narration alambiquée cherchant comme tant d’autres à simplement nous servir un twist pas si imparable que ça (il suffit de bien écouter et regarder pour deviner) et de parfois un trop plein de personnages. 
deux hommes foncent alors tête baissé dans un terrain miné sans se douter du véritable danger qui les attend. Quand Messners découvrira que lui et son co-équipier ne sont dans cette histoire que deux pions interchangeables, servant une administration se foutant bien de leurs sorts, la désillusion n’en sera que plus amère (toute allusion à la guerre en Irak est bien évidement ici non fortuite). Mi$e à prix se targue donc d’un discours pertinent démontrant que ce que l’on vient de voir fut bien plus qu’une énième œuvre décérébrée et futile. Dans le genre peu de monde peut s’en vanter./fdata%2F0477518%2F%2Favatar-user-935670-tmpphp6gqOcX.jpg){kind=avatar}
