3 avril 2007
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Un film d’Emanuele CrialeseFrance, Italie (2007)
Drame (env. 1h58)
Avec : Charlotte Gainsbourg, Vincenzo Amato, Aurora Quattrochi, Francesco Casisa, Filippo Pucillo, Federica De Cola, Isabella Ragognese....
Résumé : Au fin fond de la Sicile, Salvatore, veuf et patriarche d’une famille de paysans, décide d’embarquer pour l’Amérique dans le but d’y faire fortune. Après avoir vendu sa terre et réglé les derniers préparatifs, il quitte définitivement son pays natal à bord du bateau qui doit le mener vers le Nouveau monde. C’est là qu’il fait la rencontre de Lucy, une jeune femme anglaise, à la recherche d’un homme qui accepterait de l’épouser pour qu’elle ne soit pas expulsée à la frontière et dont le charme ne laisse pas de marbre la gent masculibne du navire. Y compris Salvatore...
En Amérique, les rivières sont faites de lait et les légumes sont gigantesques… c’est du moins ce que croit une famille de paysans siciliens du début du XXème siècle, tellement ignorants et crédules qu’ils gobent n’importe quel récit sur le Nouveau monde et se verraient bien y mettre les pieds pour échapper à la monotonie de leur existence. C’est alors le début d’un voyage où les déceptions et les désillusions sont de prime pour de nombreux immigrés en quête du rêve américain auquel tous n’ont pas droit. En démontre ce plan à la composition hautement symbolique qui voit une foule anonyme se découper en deux parties lorsque le bateau quitte le quai. Certains partent alors que d’autres sont condamnés à rester. Mais pour ceux qui partent le voyage n’est pas de tout repos et non sans dangers (tous n’y survivront pas). Un voyage durant lequel la caméra plonge tête baissée parmi la foule pour nous faire ressentir toute l’exigüité des conditions de vie à bord, à la limite de l’asphyxie. Et on peut dire que le réalisateur s’y connaît en asphyxie, puisque il est l’auteur du déjà suffocant mais très beau Respiro. Faisant preuve d’une maîtrise de la grammaire cinématographique, Emanuele Crialese nous raconte avec sa caméra plutôt qu’avec les mots, l’histoire de ces hommes et femmes qui ont tout abandonné pour une vie meilleure.
Passé une première demi heure n’échappant pas à quelques longueurs, rendant la vision de l’œuvre quelques peu difficile, à un point tel qu’on regretterait presque d’être entré dans la salle ; peu à peu le récit se révèle intéressant et pertinent jusqu’à la fin et livre enfin ses trésors. Notamment dans sa dernière partie à Ellis Island au cours de laquelle les voyageurs sont soumis à des tests d’intelligence pour pouvoir enfin pénétrer en terre promise. Des moments à la fois atterrants et involontairement comiques où l’on perçoit toute la bêtise d’un pays (qu’on ne verra pas de tout le film), se croyant supérieur et se permettant de juger des êtres humains par des examens humiliants, pas si éloignés d’un certain eugénisme nazi. Exit donc les muets, les illettrés, les vieillards, les malades… et tous ceux jugés pas assez bien pour l’Amérique ou qui refuse l’allégeance aveugle par simple orgueil. « Quel vision moderne » lance une Charlotte Gainsbourg rayonnante, après qu’un médecin de l’île lui a expliqué que l’intelligence se transmet à la naissance et qu’elle est donc contagieuse ! On se demande après qui sont les ignorants… peut être pas forcément ceux qu’on croit.
Pour faire court : Voyage tortueux pour des immigrés qui rêvent d’une Amérique aux "portes dorées", malheureusement le plus souvent closes. Long à démarrer et parfois difficile d’accès, la ballade vaut tout de même le coup d’œil.
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Un film de Zhang Yimou
S’il est bien une chose qu’on ne peut pas reprocher à Zhang Yimou c’est la grande qualité graphique de ses films, notamment son travail sur les couleurs. Cultivant un goût maniaque pour le souci du détail et l’harmonie visuelle, le réalisateur en rajoute une couche ici, et une sacrée ! Muni d’un budget plus que confortable pour une production locale (45 000 000$) il est clair que le réalisateur s’en est donné à cœur joie. Les décors, les costumes, les accessoires… tout y est flamboyant, chaque détail est d’une beauté à couper le souffle, cultivant le plaisir des yeux. Si seulement tout le reste était à la hauteur. 
ouvertement et préfère citer des références étrangères plus « prestigieuses » : au vu de l’histoire du film, il paraît assez évident que Zhang Yimou espère avec La cité interdite égaler Le château de l’araignée de Kurosawa. Une ambition prétentieuse qui aurait pu réussir si le film n’était pas totalement artificiel. Tout comme son magnifique décor principal qui peine à dissimuler une famille en proie à la déchirure, l’éclat des décors tente de cacher une intrigue convenue et des personnages réduits à l’état de marionnettes, vides de toute chair et de sang, ne prenant jamais vie (dommage pour l’interprétation impériale de Chow Yun Fat, qui effectue son grand retour au cinéma). On espérait trouver une œuvre dynamique, aux multiples affrontements à l’épée ; on se retrouve face à une tragédie grecque rébarbative, mollassonne et ennuyeuse, à la mise en scène académique (pillant celle du chef d’œuvre Rebellion de Masaki Kobayashi), grandement dépourvue d’action. 
De l’action qui quand celle-ci pointe le bout de son nez déçoit cruellement. Que ce soit dans les duels rapprochés, aux chorégraphies peu inspirées et illisibles, pourtant signées Ching Siu Tung (Histoires de fantômes chinois), que dans les affrontements de masses dépourvus de souffle épique, au statisme frustrant, misant juste sur ses effets spéciaux moches et mal utilisés. On ne pensait pas que Zhang Yimou ferait pire que son précédent film Le secret des poignards volant, ben si ! Preuve qu’il est temps pour son auteur de revenir à ce qu’il sait faire de mieux, c'est-à-dire le drame intimiste façon Epouses & concubines, et laisser le soin à des hommes comme Tsui Hark de faire briller le wu xia pan partout dans le monde. A chacun son métier.
Plutôt que de réaliser un biopic fidèle et classique pour évoquer les dernières heures du sénateur Robert F. Kennedy, assassiné le 5 juin 1968, Emilio Estevez préfère s’intéresser aux anonymes. En l’occurrence ceux de l’hôtel Ambassador, lieu du drame où quelques heures avant, se côtoient les partisans venu saluer le candidat à la présidence des USA, les clients de l’hôtel, les employés immigrés… Soit une vingtaine de personnages tous interprétés par un impressionnant casting de vedettes hollywoodiennes composé d’acteurs prestigieux, de jeunes talents ou d’anciennes stars déchues qui donnent vie à ce microcosme, reflet de l’Amérique des années 60 et de celle d’aujourd’hui, dont le réalisateur capte avec tact, les mêmes rêves, les mêmes espoirs et les mêmes frustrations (guerre du Viêtnam/guerre d’Irak, racisme, pauvreté)… Avec Bobby, Emilio Estevez passe avec succès derrière la caméra et livre un très beau film choral, démontrant qu’il est temps pour son pays d’adopter une autre politique au risque que les mêmes erreurs ne se répètent continuellement.
Il est évident que le dernier bébé de William Friedkin ne va pas plaire à tout le monde et c’est tant mieux ! Adaptation d’une pièce underground, Bug est un huit-clos minimaliste (1 décor, 5 personnages) mettant en scène deux êtres, deux loosers brisés par la vie qui vont s’unir à travers la paranoïa pour aller jusqu’à l’autodestruction. Un postulat de départ pas franchement attractif pour le spectateur lambda qui, s’il veut apprécier toute la richesse du film, se voit dans l’obligation d’accepter sans conditions les partis pris artistiques déstabilisants de l’œuvre, caractérisée par son absence totale d’explication. Car la vraie force du film est de maintenir le doute chez le spectateur, quant à la folie de ses protagonistes, sans jamais donner la moindre réponse réconfortante et cela même après le dernier plan. Certains crieront à la fumisterie mais ce serait trop vite juger ce thriller atypique, un peu long à entrer dans le vif du sujet et pas aussi angoissant qu’on l’aurait espéré, mais parsemé de soudains moments de brutalité et allant crescendo dans la claustrophobie. A voir une seconde fois.
Joel Schumacher est un réalisateur inégal, capable quelques fois du meilleur (Tideland, Chute libre, Phone Game) mais surtout du pire (Batman & Robin, Bad Company, Personne n’est parfait(e)), et son dernier film se situe une fois de plus dans la seconde catégorie. Pourtant il y avait matière à livrer un excellent thriller fantastique avec cette histoire de malédiction autour du nombre 23. Au lieu de jouer la carte de l’ambivalence (le héros perd t-il la boule ou est-il victime d’une malédiction ?) le script choisit très vite sa voie, abandonnant sur le bas côté son potentiel mystique. Reste alors un banal thriller, bien que complexe parfaitement invraisemblable et ridicule, à la fin moralisatrice et nous réservant tout un lot de retournement de situations déjà vu mille fois ces dernières années (merci Fenêtre Secrète, Fight Club et consort). Jim Carrey a l’air d’y croire à fond, tant mieux pour lui car difficile pour nous d’avaler cette baudruche se dégonflant dès le premier quart d’heure, mais qui demeure néanmoins un excellent exercice de calcul mental. C’est déjà ça !
Un film de Mark Neveldine et Brian Taylor
Le chemin de croix qu’endure le personnage principal d’Hyper Tension peut se voir comme le reflet de notre société moderne. Un monde qui oblige les êtres le constituant, à vivre à 100 à l’heure sans qu’ils puissent prendre le temps de vivre pleinement leurs existences et profiter de ce qui est vraiment important…Non je déconne ! En fait cette petite analyse j’aurais pu la faire si le film cherchait vraiment à raconter quelque chose, si les réalisateurs avaient des pensées ou une quelconque opinion à exprimer. Car ne cherchez pas d’histoire dans Hyper Tension il n’y en a pas, tout juste un pitch original et fun (un homme empoisonné doit sans cesse maintenir élevé son taux d’adrénaline pour retarder sa mort afin de trouver un remède) mais clairement limité. Difficile en effet de construire un vrai scénario qui réussisse à maintenir l’attention du spectateur juste avec un point départ aussi mince, même si la durée du film n’excède pas l’heure et demi. Un manque d’ambition flagrant qui s’explique par le fait que les deux réalisateurs (également scénaristes) conscients de leur manque d’idées originales, ont fait le choix de se passer de scénario digne de ce nom pour tout miser sur l’action. 
Et de l’action le film n’en manque pas, on peut même dire que ça ne s’arrête jamais. Calqué sur un modèle d’action non-stop, ayant déjà fait ses preuves dans Speed (le poison dans les veines remplace la bombe dans le bus) notre joli duo de metteurs en scène tournent comme s’ils étaient sous l’emprise de multiples drogues, utilisant à outrance tous les effets de clips possibles et imaginables, tendance MTV (accélérés, arrêt sur image, caméra quasi toujours en mouvement, montage sur découpé…). La saturation d’effets lourdingues est indéniable mais bizarrement ça marche. Certainement parce que la démarche, proche de celle d’un Tony Scott (même si le film est loin d’avoir l’intelligence et la pertinence de ceux du bonhomme), dynamise le rythme et insuffle au film une énergie peu commune, qui s’essouffle malgré tout au bout d’une heure. La faute à l’introduction du personnage inutile de la copine du héros dans la seconde partie. Caricature de la fille jolie mais pas fute-fute, elle n’est juste là que pour satisfaire avec entrain les bas instincts de son copain (la scène de fellation pendant une course poursuite). Pas sûr que les chiennes de gardes apprécient l’image de la femme véhiculée et pour le coup on ne peut pas leur donner tort. En tentant de provoquer en vain une émotion vis-à-vis de l’histoire d’amour du couple, le film ralentit son rythme jusque-là endiablé pour finir par lasser. 
Mais là où Hyper Tension est particulier et fendard c’est dans sa subversion de la bonne morale américaine : fortement inspiré par les jeux vidéos, le film peut se voir comme l’adaptation de la série ultra populaire des Grand Thief Auto, dans lequel le joueur incarne un criminel, est libre d’errer dans la ville et de commettre toutes sortes de délits (meurtres, vols, tabassage, conduite dangereuse…) de manière complètement gratuite. Ainsi dans Hyper Tension, le héros commet toute une série de crimes comme rouler en voiture en plein centre commercial, voler la moto d’un flic, faire un casse dans la pharmacie d’un hôpital, sans se poser des questions existentielles ou encore prendre sa copine en levrette en pleine rue lorsque son niveau d’adrénaline baisse (il faut le voir pour le croire !). Alors qu’on pensait se retrouver face à un produit formaté, c’est un nanar complètement dingue, à la violence décomplexée et à l’humour noir du plus mauvais goût qui se déroule devant nos yeux. Véritable fer de lance d’un nouveau cinéma d’action décérébré et macho à prendre au 1000ème degré tant le film révèle de la farce dévastatrice, pire qu’un gremlins lâché dans un magasin de porcelaine ! On a le droit d’aimer seulement si l’on est conscient de la bêtise de l’entreprise.
Un film de Tsui Hark
Etant donc lassé du wu xia pan traditionnel avec ses combats aux chorégraphies câblées et fluides, à la mise en scène stylisée (je pense en particulier au raffinement des films de Chu Yan), Tsui Hark va adopter une ligne directrice complètement différente de ce qui se fait à l’époque et qu’il appellera l’ « action-vérité ». Premièrement et contrairement aux autres œuvres du genre se situant dans la Chine ancestrale, l’époque de l’histoire n’est pas définissable, aucuns repères temporels n’étant là pour nous aider, les évènements pouvant très bien se dérouler dans un futur apocalyptique à la Mad Max, à tel point qu’on aurait pas été surpris de voir une carcasse de voiture ou les ruines d’un immeuble dans les arrières plans. Deuxièmement il souhaite un cinéma d’action emprunt de réalisme, qui se rapproche le plus d’une certaine crédibilité, d’une vérité qui se traduit à travers sa mise en scène. Pour cela, il favorise l’improvisation dans chaque angle de la création : que ce soit dans le scénario qu’il prive de tout dialogue (le réalisateur écrira au jour le jour quelques dialogues directifs qui imposeront aux acteurs la lourde tâche d’improviser tout le long du tournage), l’absence de points de repères positionnels pour les comédiens obligeant le cadreur à être réactif à leur jeu, ou encore les scènes de combats dont les prouesses martiales, sans câbles, sont exécutées par les acteurs… Une approche révolutionnaire dans la manière d’aborder le cinéma d’action (qu'il réappliquera au polar dans Time & Tide), pas si éloigné de celle du « cinéma vérité » d’une certaine Nouvelle Vague française. Il est d’ailleurs amusant de remarquer que pratiquement au même moment, un autre réalisateur de film d’action, appliquera des principes semblables. En effet, John Mctiernan n’a-t-il pas réalisé Une Journée en Enfer avec ses scènes d’explosions et de poursuites, tournées dans les rues de New York en plein jour ? Un détail intéressant qui permet de faire un rapprochement entre les deux hommes. Mais ce n’est pas le sujet. 
Un film de Johnnie To
La presse avait trop vite fait d’enterrer le cinéma de Hong Kong qui connut un déclin durant la seconde moitié des années 90 et plus particulièrement le polar, genre phare de l’ex-colonie depuis Le syndicat du crime de John Woo. Et ce malgré les brillants coups de maîtres que furent Time & Tide de Tsui Hark (2001) et Infernals Affairs d’Andrew Lau (2002). Pas grave puisque Johnnie To avec son Breaking News en rajoute une nouvelle couche et démontre de manière définitive que le cinéma issu de la péninsule n’est pas mort. Comme le prouve la sélection du film au Festival de Cannes de 2004 (hors compétition) qui sonne comme une reconnaissance pour son réalisateur Johnnie To. Celle d’un homme qui a débuté sa carrière comme simple artisan pour devenir petit à petit un auteur à part entière et un grand cinéaste. Et quel meilleur choix que de présenter cette œuvre se situant entre cinéma grand public et cinéma d’auteur. Car même si Breaking News est loin d’être le film le plus personnel de son réalisateur, il n’en demeure pas moins qu’il reste l’un de ses plus virtuoses, riches et intelligents. L’un de ses meilleurs quoi.
Difficile de parler du film sans commencer par la fusillade qui ouvre le film et dont la presse a plus que parlée, occultant le reste du film : tournée en extérieur, en un seul plan séquence de 8 minutes (il n’y a aucunes coupures) et d’une grande fluidité dans ses mouvements, elle est l’une des plus époustouflantes que l’on a jamais vues. Un grand gun-flight qui mérite sa place dans les annales. Cette scène à elle seule témoigne que le cinéma hongkongais a toujours été celui de l’innovation en termes de mise en scène et d’action. Mais limiter Breaking News juste à cet unique plan c’est passer à côté d’un ébouriffant polar d’action certes moins créatif par la suite dans sa réalisation mais qui restera comme un modèle du genre rien que par son sujet.
Même si le film est généreux en action et qu’il apparaît comme un film populaire, Breaking News cache une vraie critique du gouvernement chinois et plus généralement de la propagande qu’exercent les puissances en manipulant les médias. Par le contrôle des images, le sensationnalisme et la spectacularisation des faits, les autorités peuvent influencer l’opinion publique en détournant son attention des vrais problèmes de société. Divertir pour mieux abrutir les masses. Et tout les moyens sont bons pour se faire aimer du public : faire venir des vedettes du show business pour apporter leur soutien moral à la police, diffuser des interviews (voyeuristes) de parents de victimes mortes en service ou bien faire passer un flic lâche pour un héros ayant fait le choix de vivre pour subvenir aux besoins de sa famille… Des petites scènes satiriques qui montrent avec justesse la différence entre les évènements qui se déroulent dans l’immeuble et la réception faussée qu’ont des journalistes mis à l’écart. De la sorte le réalisateur porte un regard lucide et pertinent sur le caractère dangereux de l’information en direct mais aussi sur le fait que la manipulation des médias est une arme à double tranchant. Si les gouvernements nous manipulent grâce à l’information pourquoi ne pouvons-nous pas faire de même ? Si la police le fait pourquoi pas les gangsters ? Ainsi en plus d’une guerre par les armes à feu, la confrontation des deux clans devient une guerre des images où les flingues laissent la place aux dernières technologies de l’information (internet, téléphone portable muni d’appareil photo). Il est cependant dommage que le scénario utilise très peu l’idée que les policiers soient munis de petites caméras, cela aurait pu donner quelque chose d’intéressant. Mais en l’état la critique est pertinente, jamais sous-traitée au profit de l’action et le scénario ne cède jamais au manichéisme. 
En insistant sur le côté manipulateur des autorités, le film brouille la frontière entre les « gentils » et les « méchants ». La police dont la figure de proue est l’inspecteur Rebecca (Kelly Chen qui montre très vite les limites de son jeu) ne trouve pas grâce auprès du spectateur alors que les gangsters deviennent des personnages sympathiques même si l’on ignore presque tous d’eux. Ce qui démontre une fois de plus la grande capacité de Johnnie To pour brosser en quelques traits des personnages forts et marquants. Des personnages qui sont au cœur d’un scénario malin au rythme sans faille (le film rend très bien le sentiment d’urgence), qui ne cesse de surprendre et de prendre des directions parfois inattendues (la scène du repas, la brève complicité dans la cage d’ascenseur entre le flic et les truands, l’histoire d’amour entre l’inspecteur Rebecca et le chef de la bande…) tout en maniant habilement un humour léger jamais plombant. Splendide dans sa forme, intelligent dans le fond, à la fois drôle et tragique, spectaculaire et intimiste. Qui a dit que le cinéma de Hong Kong était mort ?
Un film de Franck Mancuso
Harold, agent du fisc, vit une existence morne et solitaire dans un appartement qu’on croirait sorti du catalogue d’un magasin pour meubles. Sa seule distraction est d’écouter le bruit des dossiers qu’il range. Alors quand il se met à entendre une voix qui narre le moindre de ses gestes, Harold croit devenir fou. En fait il découvre qu’il est le personnage principal vivant du dernier livre d’une romancière qui a la fâcheuse habitude de zigouiller ses héros. Une découverte qui va le pousser à vivre pleinement les derniers instants de sa vie. Réalisé par l’éclectique Marc Foster, L’incroyable… est une comédie réjouissante au scénario original, réflexion sur le travail d’écrivain et ode à l’accomplissement personnel dont le message pourrait se résumer simplement par « Carpe Diem ». Emporté par un Will Ferrell (plus habitué aux comédies grasses et lourdingues) étonnant de sobriété et une Maggie Gyllenhaal craquante, le film fait partie des meilleures comédies qui émeuvent tout en faisant rire.
Débutons par le point le plus mis en avant par la grande campagne publicitaire du film, à savoir la prestation de Marion Cotillard dans la peau du moineau vêtu de noir. Tout le monde est d’accord (et je peux difficilement contredire) pour dire qu’elle est absolument merveilleuse en Piaf. Aidée par un maquillage voyant mais jamais envahissant, l’actrice fait preuve d’un mimétisme parfait (comme Jamie Foxx avec Ray Charles dans Ray), que ce soit lorsqu’elle incarne Piaf en jeune fille de la rue ou dans les dernières heures de sa vie, le spectateur assiste à une résurrection de la chanteuse. Marion Cotillard ne joue pas, elle est Piaf ! Une performance qui était nécessaire à la réussite émotionnelle du projet, le personnage étant le cœur même du film. 
Du point de vue scénaristique peu de surprises. Toutes les étapes importantes de l’existence de l’artiste sont là, rien ne manque. De son enfance difficile, ses débuts, sa gloire, l’annonce de la mort de son amant Marcel Cerdan (la meilleure scène du film !!!), jusqu’à sa mort, vous serez tout de la vie d’Edith Piaf. Si Olivier Dahan a choisit d’éviter une narration linéaire (le récit navigue sans cesse entre différentes périodes) évitant d’être trop classique dans sa forme, le film n’apporte pas grand-chose au genre de la biographie de célébrités. Car le réalisateur n’a pas fait le choix de faire un film « d’auteur » dans lequel il aurait insufflé sa propre vision de la vie de Piaf, mais celui d’offrir un film à dimension populaire. 
Comme l’évoque l’affiche du film (où l’on voit l’actrice de dos face à la foule éclairée) et son casting prestigieux de guest-stars françaises, La Môme est une œuvre faite pour le public, qui s’adresse directement à lui. En faisant cela Olivier Dahan fait exactement ce que fît Piaf à son époque : elle s’offrait à son public, elle chantait pour lui et même si cela devait lui coûter la vie. En offrant aux spectateurs ce qu’il est venu voir, c'est-à-dire un portrait fidèle, émouvant et tragique (sans toutefois verser dans le misérabilisme), Dahan restitue l’âme d’Edith Piaf, sa philosophie et tout ce qu’elle représentait. Et c’est peut être le plus bel hommage qu’on pouvait lui faire. 
Un film de David Lynch
Tout le monde dit c’est génial
L’empire des sens
Déjà Vu
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