23 décembre 2006
6
23
/12
/décembre
/2006
18:43
Un film de Luc BessonFrance (2006)
Animation (env. 1H43)
Avec : Freddie Highmore, Mia Farrow, les voix de Mylène Farmer, Alain Bashung, Marc Lavoine, Valérie Lemercier, Stomy Bugsy…
Résumé : Alors que la maison de sa grand-mère va être saisie dans deux jours, Arthur un jeune garçon de 10 ans à peine, découvre le monde des Minimoys. Un peuple d’êtres minuscules, amenés d’Afrique par son grand-père mystérieusement disparu depuis 3 ans, vivant dans le jardin. Arthur doit faire vite car il doit trouver à temps le trésor caché des Minimoys pour sauver sa maison et aider ces derniers contre le terrible M le maudit qui ne rêve que d'une chose: détruire le monde des Minimoys. Pour cela il sera aidé par la princesse Selenia et son frère Bétamèche qui le guideront à travers une faune et un flore dangereuse lorsque l'on mesure deux millimètres et demi…
Le voici enfin ce fameux Arthur et les Minimoys, le dixième et dernier film de Luc Besson, le réalisateur français qui tout le long de sa carrière aura du affronter les critiques les plus violentes (et les plus gratuites aussi) contre lui et contre ses œuvres. Des critiques souvent injustes pour un cinéaste à part possédant un vrai univers personnel (ce que très peu de réalisateurs français peuvent se vanter d’avoir) qu’il a su développer à travers ses différents films. C’est pour cela qu’il est franchement surprenant de voir que le dernier né de Besson a échappé au sort réservé à ses prédécesseurs alors que c’est justement celui là qui fait le plus défaut à la filmographie de Besson, celui qui est le plus critiquable. Oui Arthur… est critiquable et à plus d’un titre.
Si dans la forme il n’y a pas grand-chose à reprocher au film : les décors et l’aspect des personnages sont magnifiques, l’animation est fluide et dynamique, et la mise en scène soignée ne tombe jamais dans l’esbroufe et la surenchère d’effets tape à l’œil. Un vrai délice pour les yeux en somme. Là où Besson faillit c’est dans le fond et son scénario de la taille d'un Minimoys. Besson ne cherche pas à innover et s’adresse directement aux plus jeunes qui prendront un immense plaisir à suivre les aventures de héros à la psychologie binaire inhérents aux films pours enfants (le héros irréprochable en tout point, la princesse belle et forte qui va forcement tomber amoureuse du héros, le frère inévitable comparse comique…). Mais le cinéaste oublie une chose, les plus grand films d’animations sont ceux qui parlent aux plus petits mais aussi au plus grands ici laissés sur le carreau. Car les adultes devront faire preuve d’une grande indulgence face à une histoire tout ce qu’il y a de plus basique et d’une linéarité incroyable (en gros le héros part de chez les gentils pour aller chez les méchants et en revient) qui a du mal à cacher son manque d’originalité, plusieurs séquences faisant vraiment penser à Chéri j’ai rétréci les gosses, donnant à penser que le film a vingt ans de retard et aurait du voir le jour dans les années 80.
Le réalisateur tente bien de fournir un message écologique et de tolérance mais tout ceci reste franchement léger (n’est pas Myiazaki qui veut) quand ce n’est pas traité de façon naïve, caricaturale et manichéiste (le père d’Arthur qui a peur des noirs mais devient leur pote à la fin, le promoteur immobilier…). Il est vrai que la naïveté à toujours fait partie du cinéma de Besson mais ici on patauge dans la guimauve du plus mauvais effet. A ce titre les scènes « live » sont les plus ratées du film, la faute à des acteurs insipides interprétants des personnages inintéressants, le tout baigné dans un traitement à l’américaine plus que douteux. Avec Arthur… Besson veut toucher un public international (enfin surtout américain) et perd du coup son identité. Si son nom n’apparaissait pas au générique on pourrait très bien penser que le film fut réalisé par un quelconque réalisateur hollywoodien. La musique du film en est un très bon exemple. Difficile en effet de retrouver les sonorités propres à la musique d’Eric Serra dans Arthur… tant celle-ci ne se démarque pas d’autres du même genre. On peut toujours s’amuser de différents clins d’œil cinématographiques amusants (Star Wars, Pulp Fiction, La fièvre du samedi soir…) mais qui ne sauve pas l’entreprise. Si Besson réalise la suite, car il est pratiquement certain qu’il y aura une suite, Besson devra analyser ses erreurs s’il veut vraiment rendre justice à un univers flamboyant mais désespérément creux. Allez Luc tu peux faire tellement mieux.Pour faire court : Le (soi disant) dernier bébé de Luc Besson est une œuvre avant tout réservée aux plus jeunes qui en prendront pleins les mirettes tandis que les adultes resteront perplexes devant la maigreur du propos.
Partager cet article
Un film de Tony Scott
Déjà vu se présente donc comme une série B sympathique souffrant d’un scénario certes solide et démarrant fort mais qui reste au bout du compte dans les standards du thriller hollywoodien. En gros narrativement et du point de vue du scénario, Déjà vu c’est… du déjà vu (c’est trop facile mais on s’en lasse jamais), alors que cette histoire d’enquête policière qui progresse à travers l’étude d’images du passé aurait pu donner quelque chose de vraiment intéressant et de neuf (il serait curieux de voir comment une cinéaste comme De Palma aurait traité un tel sujet) si le scénario avait exploité l’élément primordial du film dont le titre et toute la campagne de publicité avaient misés dessus : c'est-à-dire l’impression de déjà vu. En effet à aucun moment l’intrigue ne semble le prendre en compte, jamais il n’y est fait référence, jamais les personnages ne ressentent cette impression (même le mot n’est jamais prononcé). Le titre semble plus refléter la sensation du spectateur devant l’apparition d’éléments double. Par exemple l’ambulance détruite qu’on voit dans le présent et dont le personnage de Denzel Washington se servira plus tard dans le passé ou bien les lettres sur le frigo. De ce point de vue le film déçoit un petit peu et laisse perplexe quant à sa logique marketing. Reste un script qui mélange la science fiction (la machine permettant de regarder le passé sous n’importe quel angle, le passage dans le temps) et l’action de manière crédible malgré un manque de cohérence sur toute la fin du film. 
Un film de Robert Altman
Un film de Martin Scorsese
Les infiltrés n’aurait pu être qu’un vulgaire remake insipide et inutile (l’original se suffisant à lui-même) comme tant d’autres. Oui mais voilà ce n’est pas n’importe quel tâcheron qui est aux commandes du projet mais Martin Scorsese, excusez du peu ! Une différence de taille qui permet au film, même s’il ne surpasse pas l’original, d'être un remake plus qu’irréprochable du film d’Andrew Lau. Le scénario de William Monahan (Kingdom of Heaven) reprend la trame initiale et les scènes clés de l’original (le meurtre du personnage de Martin Sheen, la filature dans le cinéma, tout le final…) à laquelle Scorsese va implanter son style et ses thématiques. Ainsi le début de l’original est prolongé à l’extrême (il faut presque attendre une vingtaine de minutes pour voir apparaître le titre !) permettant de développer la relation mentor/élève entre Franck Costello (Jack Nicholson impérial) et Colin Sullivan (Matt Damon), une relation absente ou du moins peu développée dans Infernal Affairs. Scorsese prend son temps (le film dure environ 1h de plus que l’original tout de même) pour présenter et installer les personnages dans l’arène où va se jouer une véritable tragédie grecque aux allures christiques : de par le parcours de son personnage principal Billy (Leonardo di Caprio qui prend de plus en plus d’assurance et de maturité), véritable sacrifié à la cause de la justice, sorte de Jésus des temps modernes (il fracasse la tête d’un truand avec le portrait du Christ) confronté au diable en personne, représenté par Jack Nicholson, et à un Judas représenté par Matt Damon très crédible en pourri, qui à l’inverse du film original ne connaîtra pas la rédemption. Si le film de Scorsese perd le rythme trépidant de son prédécesseur, il gagne en symbolisme et en profondeur (bien qu’Infernal Affairs ne néglige pas l’aspect psychologique de ses personnages), le but de Scorsese n’étant pas de faire un vulgaire copier/coller de l’œuvre originale mais de proposer une œuvre différente et personnelle.
Un film de Paul Verhoeven
la seconde guerre mondiale. Sujet qu’il avait déjà abordé en 1977 avec Soldier of Orange. Contrairement à ce dernier Black Book ne traite pas de l’héroïsme de la résistance mais propose une vision plus ambiguë de celle-ci : en effet, difficile de considérer n’importe quel personnage du film comme étant des héros. A commencer par son personnage principale (sublime Caprice van Houten), résistante juive qui finit par tomber amoureuse d’un officier allemand, ce même officier dont la famille à été bombardée par les alliées, est loin d’être un réel salaud bien au contraire… Chez Verhoeven rien n’est tout blanc ou tout noir mais gris. Dans Black Book, tous les rôles sont interchangeables, le héros de la résistance pouvant très bien devenir du jour au lendemain un espion nazi et vice et versa. Quand résistant rime avec collabo… Au point que s’il n’y avait pas les costumes pour nous renseigner sur qui est qui, on hésiterait sûrement pour savoir quel camp choisir (un peu comme dans Starship Troopers où les humains n’étaient pas plus rassurant que les insectes). Le mal est partout et peut toucher tout le monde. Même les idéologies douteuses finissent par se rejoindre comme dans cette scène où croyant que Rachel a trahi la résistance, une femme balance « Elle a fait ça pour l’argent c’est bien les juifs ! ». Verhoeven continue donc de briser les tabous au profit d’une réalité moins propre (la joie de la libération laisse très vite la place à la tonte des femmes et à l’humiliation de « prétendus » collabos par de « prétendus » résistants). Mais le réalisateur ne juge jamais, il se fait juste l’observateur d’une période de l’histoire où le seul but des protagonistes était la survie avant tout. Un parti pris qui rappelle celui de L’armée des ombres de Melville.
Black Book c’est aussi un brillant récit d’aventure, d’espionnage et d’action qui défile à rythme qui ne faiblit jamais (on ne voit pas passer les 2h30 du film), tant l’intrigue est riche en rebondissements et en retournements de situations. Au programme trahisons, fusillades, exécutions, évasions, missions suicides à foison. Une efficacité due à une narration hollywoodienne reprenant les ingrédients des grands films d’espionnage de l’époque. Le réalisateur rend un bel hommage à ces pères (David Lean et Alfred Hitchcock) en signant un film d’aventure à l’ancienne réjouissant, mais à sa sauce bien évidemment : même si le film est loin des délires gore d’un Total Recall, la violence montrée sans artifice, est omniprésente durant tout le film. Celui qu’on surnomme le « fou hollandais » a vieilli et s’est assagi avec le temps mais sa verve est toujours intacte. En témoigne son goût pour les jeunes femmes dénudées, le réalisateur ne se privant pas de montrer sans aucunes gêne les atouts féminins de son héroïne. On pense évidement à Showgirls et Basic Instinct (la scène où Rachel se teint les poils pubiens) et à leurs profusions de sexe débridé. Au final, Black Book est un somptueux film d’espionnage et d’aventure doté d’une reconstitution fidèle et très bien documenté, doublé d’une vision péssimiste sur la nature humaine en temps de guerre. Quand l’efficacité hollywoodienne rencontre l’identité européenne on appelle ça avoir le beurre et l’argent du beurre et on ne peut que s’en réjouir.
Un film de Richard Linklater
Un film de Joon-ho Bong
The Host est donc bien un film de monstre mais c’est aussi une vraie comédie. En effet, tout comme Memories of Murder, la chose qui surprend le plus à la vision du film c’est bien son côté comique voire parodique qui traverse son ensemble. Du comique qui intervient entre les moments angoissants ou tragiques mais également à l’intérieur même de ces mêmes scènes. Il faut voir lors de la première attaque de la créature, le personnage principal Gang-du se rendre compte qu’il ne tient plus la main de sa fille mais celle d’un autre. Un grand moment de drôlerie alors que la situation est tout ce qu’il y a de plus dramatique. Un parti audacieux et franchement casse gueule puisque la comédie aurait pu désamorcer de façon trop intense les séquences effrayantes au point de les rendre ridicules. Pourtant il est surprenant de voir que cela fonctionne parfaitement, le film alterne sans répit les moments drôles et inquiétants sans que l’un n’entrave sur l’autre. Une véritable prouesse. Le film sait aussi se montrer émouvant grâce aux personnages de la famille Park, véritable bande de bras cassés à la fois désopilante et émouvant (en particulier l’acteur Song Kang-ho formidable), des gens ordinaires qui se trouvent obligés d’affronter l’extraordinaire. C’est par cette famille unit dans l’adversité, véritable catalyseur des maux de la société coréenne (le personnage du jeune frère sans emploi alors qu’il a contribué à la démocratisation du pays) que le réalisateur exprime toute son ironie sur notre monde. 
Crée par Alan Ball
Bien que Six Feet Under soit « réaliste » cela ne l’empêche pas d’alterner, avec une aisance et une cohérence qui confine au génie, les tons et les genres. A l’image de toutes les morts qui ponctue chaque début d’épisode : un épisode, une mort. Des morts qui permettent à leurs scénaristes, d’imaginer toutes sortes de façon de mourir, de la plus tragique (le nouveau né victime de mort subite) à la plus ridicule (le type qui s’écrase avec sa propre voiture alors qu’il est au volant). Une totale liberté de tons qui permet de naviguer entre le drame, la comédie, la mélancolie, la nostalgie, le loufoque, la tragédie…et même le fantastique, avec les apparitions fantomatique de certains personnages (essentiellement l’acteur Richard Jenkins dans le rôle de Nathaniel Fisher), qui permettent de dévoiler les sentiments intérieurs de la famille Fisher mais aussi de les faire progresser, de les pousser à agir. Une multitude de tons qui s’imposait, vu les nombreuses thématiques de la série. La mort bien sûr mais aussi la vie…et tout ce qu’il y a au milieu.
Mais l’un des grands mérites de la série aura été d’avoir su s’arrêter à temps et ce malgré son succès perpétuel. Un arrêt au bout de cinq ans qui aura permis à la série de conserver une qualité constante et de ne jamais connaître de baisses de régime que malheureusement trop de séries connaissent à trop vouloir surfer sur le succès. Cinq années auront été nécessaires pour qu’Alan Ball et ses collaborateurs puissent raconter tout ce qu’ils avaient à dire et amener les personnages là où ils voulaient qu’ils aillent. Il ne restait plus qu’à conclure la série en apothéose. Et quelle fin ! On n’est pas près d’oublier les images de Claire filant sur la route (symbole du personnage se dirigeant vers son destin), entremêlées avec celles des fins de vie des personnages, sur fond de la sublime chanson Breathe Me de Sia. Un dernier adieu à ces personnages qui nous ont émus, que l’on a aimé et qui d’une certaine manière ont fait partie de nos vies. Un fin bouleversante et incomparable qui fera fondre n’importe quel cœur de pierre (rien que d’y repenser j’en ai une petite larme), qu’on applaudit débout des deux mains tellement la conclusion est ébouriffante. Reste plus qu’à remercier Alan Ball et tous ceux qui ont contribués de près ou de loin ce monument de la télévision qu’est Six Feet Under. Une série qui en ayant toujours su éviter les standards télévisuels, nous aura appris à mieux accepter la mort et ses conséquences pour mieux nous montrer la chose à laquelle nous devons attacher le plus d’importance…l’instant présent. Bravo !
Un film de Martin Campbell
Maintenant que le problème de l’interprète est résolu il faut s’attaquer au contexte. Car il est bien loin le monde bipolaire de la guerre froide où tout était simple (russes méchants – américains gentils), le monde d’aujourd’hui est plus compliqué, aux multi facettes, régi par de nouvelles peurs communes (le terrorisme), surtout depuis le 11 septembre, auquel il est directement fait allusion. Fini l’époque où le méchant mégalomane voulait conquérir le monde, aujourd’hui il est remplacé par un méchant aux ambitions plus contenues (l’argent), fini le temps où celui-ci était un intouchable, ici il est un banquier qui peut être la victime de ses clients mécontents. Pareil pour son homme de main dont le scénario ne prend même plus la peine de s’intéresser (il abattu hors champ par un autre que Bond). Et les James Bond Girls ne sont pas en reste, en ces temps où les femmes prennent le pouvoir (sans faire de machisme) elles ne peuvent plus se permettrent de n’être que des belles coquilles vides (à noter l’absence au générique, de toute silhouette féminine) servant docilement le héros. Ce n’est plus la femme qui sort de l’eau en petite tenue mais c’est le héros lui-même qui s’en charge (désolé messieurs). Le film se permet même de parodier la bimbo, à travers le rôle joué par Caterina Murino (la pauvre n’a pas l’air de se rendre compte que le film se moque d’elle). Il faut voir sa première apparition dans le film, galopant à cheval sur la plage (on pense à la pub 9 Télécom). La bimbo n’a plus sa place dans les James Bond et on nous le fait sentir très vite (elle disparaît au bout de dix minutes), elle fait place à une femme forte, autonome, qui ne se laisse pas charmer facilement (Eva Green superbe et émouvante). Sa relation avec Bond est au cœur du film et nous porte là où aucun James Bond ne nous avait emmené. Nous permettant de connaître un peu mieux 007 (il serait orphelin). Un lifting radical qui s’applique également pour les séquences d’action.
/fdata%2F0477518%2F%2Favatar-user-935670-tmpphp6gqOcX.jpg){kind=avatar}